Videospielmusik: Von der Pixeluntermalung bis zum Konzertgewitter
Jedes gute Videospiel wäre nur halb so gut, wenn es keinen genauso großartigen Soundtrack hätte. Es ist ein Teil von Videospielen, der anfangs nur die zweite Geige spielte und heute hunderte davon braucht.
Kennst du diese Melodie? De-Duu-De-De-Deee-De-Duuu. Richtig, das Zelda-Thema! Und das hier? Hmm-Imm-Hmm-Imm. Beyond Two Souls, wirklich gut. Ein letztes noch, für die richtigen Meister. De-DeDe-Du-Du-De-DuDu. War das doch zu einfach? Tut mir leid, Paper Boats aus Transistor erkenne ich auch immer an den ersten beiden Tönen.
Musik ist aus Videospielen mittlerweile genauso wenig wegzudenken wie Quick Time-Events oder Synchronisierungstürme. Auf den folgenden Seiten erfährst du einiges zur Geschichte, den Eigenschaften und den Stellenwert der heutigen Videospielmusik. Let’s a go! De-Du-De-De-De-Dum!
Die Stein- und Anfangszeit der elektronischen Videospiele, wie wir sie heute kennen, ist in den 1970-ern zu verordnen. Bevor sie unsere Wohnzimmer eroberten, fristeten sie ihr Dasein als klobige Automaten in Videospielhallen. Während ihre allgemeine Spieltechnik noch in den Kinderschuhen steckte, war es mit ihrer Vertonung ähnlich gestellt.
Musik konnte damals nur auf Kassetten oder Schallplatten gespeichert werden, was die Implentierung mit einem zusätzlichen Abspielgerät für die Hallen entweder sehr schwierig oder sehr teuer machte. Eines der wenigen Spiele, die dieses umständliche System trotzdem nutzten, war Journey.
Im Falle des Spiels Pong aus dem Jahr 1972 entschied sich Entwickler Atari für eine andere, aber spartanische Methode: Das Knacken eines Chips machte er sich zu Nutzen, indem er die Frequenz des Knackens auf drei verschiedene Tonhöhen änderte. Geboren waren die Aufschlag-Geräusche des allerersten Tennisballs.
In den späten 70-ern verwendeten dann Entwickler für den Sound ihrer Spiele einen eigenen Computerchip. Dieser übersetzte den Spielcode über elektronische Impulse in Audio-Wellen. Da der meiste Speicherplatz aber immer noch für den Spielinhalt gebraucht wurde, fiel das akustische Repertoire noch sehr klein aus. In Space Invaders von 1978 wurden dieselben 4 Töne einfach nur schneller gespielt, um Spannung zu erzeugen, wenn die Feinde näher kommen.
Anfang der 80er steckte im ersten Heimcomputer Commodore 64 dann ein richtiger Sound-Chip, ein Sound Intervace Device, der an das Niveau eines Synthesizers heranreichte. Die Hintergrundmelodie des 1984 erschienenen Tetris gehörte mit 26 Minuten Länge zu einem der größten Musikstücke für diese Technik.
Mit immer moderner Technik erhielt die Videospielmusik ebenfalls größere personelle Kapazitäten, was bedeutet, dass mit einer einstigen Programmier-Nebensache erstmals eigene Komponisten beauftragt wurden. So erschuf Koji Kondos im Auftrag von Nintendo die weltbekannten Themen für Super Mario Bros und The Legend of Zelda aus dem Jahr 1986.
Den nächsten Schritt in der Videospielmusik-Evolution macht der japanische Komponist Koichi Sugiyama 1986, der für das Spiel Dragon Quest zum ersten Mal klassische Instrumentalmusik als Untermaltung nutzte. Zusammen mit dem Tokio String Ensemble produziete er einen Soundtrack, der kurze Zeit später auf CD erschien und dann als erstes Videospielkonzert der Welt in der Tokyo Suntory Hall aufgeführt wurde.
Der Umstieg auf CD-Roms in den 90ern, die mehr Speicherplatz boten, befreite die Komponisten dann von jeglichen technischen Einschränkungen. Als Beispiel hierfür kann das erste Crash Bandicoot genannt werden.
Die höchste Stufe des bisher Erdenkbaren erreichte dann der Komponist Christopher Tin, als er 2011 den Soundtrack zu Civilization IV schuf. Dieser wurde im Studio zusammen mit einem Orchester und dem Soweto Gospel Chor produziert. Das Titelthema „Baba Yetu“ bietet eine Fülle an musikalischen Stilen. Für dieses Thema und den gesamten Soundtrack wurde der Komponist mit zwei Emmys ausgezeichnet.
Quelle: BR-Klassik
Im Gegensatz zur Filmmusik interagiert die Musik in Videospielen viel stärker mit dem Bildschirmgeschehen. Sie unterstützt zu einem großen Teil die Immersion, also das Eintauchen in das Spiel. Zum anderen hängt auch ein großer Teil des Spielspaßes mit der Musik zusammen, was die Forscherin Kristine Jorgensen in einer Studie ermittelte, in der sie Spiele komplett ohne Musik spielen ließ.
Eine Musik, die mich immer direkt in die Spielwelt entführt, ist das Stück „Embrace what you have become“ von Deus Ex: Mankind Divided.
Je nach Ebene, wo Videospielmusik auftaucht, hat sie andere Effekte, sei es jetzt Gameplay, Hauptmenü, Ladebildschirm oder Zwsichensequenz. So soll die Musik beim Speichern von Resident Evil 4 Schutz und Ruhe ausdrücken, im starken Kontrast zum sonstigen brenzligen Überlebenskampf.
Der Spieler soll nicht nur atmosphärisch an die Welt gebunden werden, sondern auch vor allem emotional, indem die Musik ebenfalls auf seine Handlungen reagiert.
Für diesen Fall produzieren Videospielkomponisten heutzutage mehrere Musiken für dasselbe Level, um jede Situation fassen zu können. So gibt es beispielweise im Spiel 007: Nightfire für das Level Night Shift ein normales Thema und eines für den Fall, dass der Spieler den Alarm auslöst. Wird der Alarm deaktiviert, schwengt die Musik wieder ins normale Thema um.
Neben der Aufgabe von Videospielmusik, den atmosphärischen Stil einer Spielwelt mit Musik zu umrahmen - Bioshock (Avantgarde), Abe’s Exoddus (Industrial), The Last of Us (instrumentale Akkustik-Gitarre) - erzählt sie eine Geschichte.
Je nach Kampfgebiet, ob Discothek, Wald oder U-Boot, kann die Musik Storygeschehen und Raum miteinander verschmelzen. So ertönt beispielsweise in Far Cry 3 der Song „Make it bun dem“ von Skrillex während einer Mission, in der Protagonist Jason Brody diverse Marihuana-Felder abfackeln soll. Hier soll der Song dem Spieler das Geschehen sowie den damit ausbrechenden Wahnsinn im Protagonisten fühlen lassen.
Eine Spielfigur kann ein eigenes Thema haben und ein Spiel kann über ein Leitmotiv verfügen, dass der langen Spielzeit einen roten Faden verleiht und sich mit der Geschichte ebenfalls weiterentwickelt. Beispiele sind hierfür die Soundtracks zu Fahrenheit, ObsCure, Metal Gear Solid und Horizon Zero Dawn.
Quelle: Rockministerium / Wikipedia
Dass die Videospielmusik mittlerweile auf einer Stufe mit der Filmmusik steht, lässt sich daran festmachen, dass immer mehr Filmkomponisten auch Soundtrack für Spiele produzieren und genauso umgekehrt. Clint Mansell, verantwortlich für den Score von Black Swan und Black Mirror, produzierte die Musik für Mass Effect 3.
„Du hast all diese verschiedenen Elemente, die sich ändern, abhängig davon, was der Spieler macht. Du musst eine gesamte Symphonie ausknobeln, aber auch dazu fähig sein, sie in ihre Bestandteile zu zerbrechen. Du kannst den Schmerz erzeugen, wenn nötig“, verriet Mansell im Interview mit The Quietus.
Der Fluch der Karibik-Komponist Hans Zimmer ließ seiner akustischen Bombastkunst ebenfalls bei Call of Duty: Modern Warfare 2, Beyond Two Souls und Crysis 2 freien Lauf.
„Wir können es immer noch ein Spiel nennen. Das Wort hat einen leichten Charakter von anspruchloser Qualität, dieses Wort. Es ist ein triviales Wort. Aber als Musiker erinnere ich mich, wir spielen unser ganzes Leben, so ist die Idee, etwas zu spielen und in etwas involviert zu sein genauso mächtig für einen Musiker. Die Teilnahme ist die Sache“, teilte Hans Zimmer N4G mit.
Akira Yamaokas Soundtrack zu Silent Hill wurde Eins zu Eins mit in die Verfilmung genommen, um das Spielgefühl mit zutransportieren.
„Ich war der einzige, der Silent Hill so klingen lassen kann, wie es ist. Ich habe einen Zwang, in den Horror einzutauchen. Es war ebenso meine Pflicht das zu tun“, sagte der Komponist im Interview mit FACT.
Die Scores von Spielen schaffen es heute auf die Itunes-Charts, bekommen eigene Konzerte gewidmet, gewinnen Preise und beeinflussen sogar die filmische Musik. Alles in allem ist ein junges Medium, aber eines, das sich genauso schnell seinen Platz in den Medien erkämpft hat.
„Sie braucht an sich nicht mehr mit Film oder TV verglichen zu werden, sie kann für sich selbst stehen. Mit den vielen fantastischen Komponisten, mit denen ich jetzt arbeite, ist es nur eine Frage der Zeit, bis es endgültig soweit ist“, sagte Komponist Gareth Coker, der den Soundtrack zu ARK: Survival Evolved im Philharmonia Orchester aufnimmt, in dem bereits auch Star Wars, Harry Potter und Herr der Ringe produziert worden ist.
Quelle: INews
